– возрастающий интерес художников к вещи как таковой, а также некоторый страх перед типовыми тиражируемыми предметами;
– активное использование индустриальных мотивов в искусстве конструктивизма;
– развитие фотографии и кинохроники и превращение их в искусство.
Дальнейшее развитие подобного искусства особенно активно идет в эпоху начала постмодернизма, в 1960–1970-х годах. Тогда появляются новые формы и способы самовыражения художников, уже совершенно не связанные с плоскостью холста, на который наносятся краски. Это энвайронмент, ассамбляж, аккумуляция, еще более активное развитие инсталляции и мобилей.
Отдельное место среди новых художественных форм XX века занимает кинетическое искусство, или кинетизм. Оно окончательно оформилось как самостоятельный вид художественного творчества во второй половине 1950-х годов. Но ему предшествовали опыты с движущимися объектами, которые осуществляли и авангардисты, и конструктивисты, в том числе и в России до и после революции, и дадаисты.
Например, еще в 1917 году мастера русского авангарда В. Татлин, А. Лентулов, А. Родченко для оформления угла в зале кафе «Питтореск» в Москве соорудили мобиль, то есть передвижную композицию.
Главная отличительная особенность кинетизма – это применение движущихся конструкций и элементов. Кинетическое произведение должно динамически преображаться, иногда эти действия должен производить зритель, а иногда – колебания воздушной среды. Самые распространенные варианты движущихся конструкций предполагают использование мотора или электромагнитных сил. В некоторых случаях возникает только иллюзия движения объекта благодаря меняющемуся освещению. Группа кинетистов появилась в 1960-х годах даже в Советском Союзе, она называлась «Движение».
Следующим шагом в истории искусства можно считать такие произведения, в которых вообще нет ничего, что можно было бы поставить или повесить в выставочном зале. Это акционизм и концептуальное искусство.
Акционизм – это обобщенное название целого ряда форм, возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. К акционизму относятся хэппенинги, перформансы, искусство процесса, искусство демонстрации. Представители акционизма считают, что художник не должен больше создавать статичные формы, а должен организовывать некие события, процессы, акции или даже провокации, вовлекая в них случайных или специально подготовленных людей. При этом хэппенингом называют событие, спровоцированное его инициаторами, которое разыгрывается на природе или в городской среде, куда вовлекают и случайную публику. Перформанс же – это короткое представление, исполненное одним или несколькими участниками перед посетителями музея или галереи. Перформанс заранее планируют, он проходит по некоей программе, в отличие от менее организованного хэппенинга.
Концептуальное искусство возникло в 1960-х годах. Его основная идея состоит в отказе от воплощения художественной мысли в материале, то есть искусство сводится исключительно к «искусству в голове», к феноменам сознания. По мнению концептуалистов, традиционные изобразительные формы только отвлекают от восприятия идеи, предложенной художником. Концептуалистские объекты существуют исключительно в виде набросков, письменно или устно изложенных проектов, коротких фраз или пространных текстов. Короче говоря, по мнению концептуалистов, искусство нужно заменить идеей искусства.
Можно подумать, что после всего этого искусство вообще кончилось, и больше говорить не о чем. Разумеется, это не так. Параллельно с этими формами художественного творчества продолжали существовать и другие, вполне традиционные и даже архаические. А это была всего лишь одна из многочисленных линий развития искусства XX века.
93
Я боюсь ходить на выставки современного искусства. Как ко всему этому относиться?
Дама средних лет с техническим образованием
Спокойно и с юмором, если ничего не понимаешь.
Мы привыкли, что, попадая в зал музея или картинной галереи, мы сталкиваемся с искусством, которое понятно без дополнительных комментариев. Мы предпочитаем традиционный художественный язык, который не требует никаких пояснений. Глядя на такие типичные и понятные картины, можно сразу ответить на вопрос: «Что хотел сказать художник?». Но современное искусство, искусство XX – начала XXI века, давно уже приняло совершенно иные формы. Разумеется, остались еще художники, которые работают в классических традициях или же делают вид, что следуют им, но на их выставки как раз можно ходить без всяких опасений и потребности в дополнительном анализе.
Попадая на выставку современного искусства, зритель, привыкший к традиционным художественным формам, оказывается в мире, который для него непонятен и непостижим. В залах он может увидеть ржавые металлические конструкции, сваренные между собой, конфетные фантики, рассыпанные по полу, даже полуголого мужика, сидящего на полу и издающего непонятные звуки. Все это называется современным искусством и может вызвать и неприятие, и испуг, и даже физически неприятные ощущения.
ПЕРФОРМАНС ЙОЗЕФА БОЙСА. 1978
У зрителя сразу возникает вопрос: неужели это искусство и неужели это серьезно? Люди, которые занимаются подобными проектами, относящимися к области современного искусства, разумеется, не сумасшедшие и не придурки, но они, помимо всего прочего, – хорошие коммерсанты и понимают, что главное, что может привлечь пресыщенного развлечениями зрителя на выставку, – это шок, возможность испытать острые ощущения, добавить адреналина. Поэтому зачастую художники и пускаются во все тяжкие, ведь скандалом можно привлечь гораздо больше средств и вызвать больший интерес, чем самой изысканной и утонченной работой. Очень часто в таких произведениях нельзя определить, где кончается подлинное самовыражение художника, его творческий поиск и начинается коммерческая деятельность, направленная на привлечение спонсоров, покупателей и посетителей.
Современному художнику совершенно не нужно, чтобы зритель почувствовал и перенял его ощущения в момент творчества, отношение к миру. Художник своим произведением предоставляет зрителю некоторую форму, в которую тот может вкладывать свое собственное содержание. Постмодернизм с его многофункциональной знаковостью предполагает, что каждый символ и знак может обозначать разные вещи в зависимости от желания зрителя. Таким образом художник пытается включить зрителя в собственный творческий процесс и предоставляет ему свободу восприятия. Этим, в общем-то, и ценно современное искусство, старые мастера никакой свободы зрителю не давали.
Современное искусство – это в значительной степени игра, поэтому его не стоит бояться, лучше всего отнестись к нему с солидной долей иронии. Кроме того, современные художники больше не доверяют своим непосредственным впечатлениям и наблюдениям и даже не пытаются изобразить реалии зримого мира. Их творческие поиски идут в ином направлении. Они представляют уже готовые, сложившиеся образы, доступные для непосредственного восприятия.
