Примечания книги Краткая история новой музыки. Автор книги Ханс Ульрих Обрист

Онлайн книга

Данная книга, как и ее предшественница с созвучным названием («Краткая история кураторства»), составлена из устных рассказов. Все интервью брал ее автор, Ханс Ульрих Обрист, иногда совместно с Филиппом Паррено. В центре бесед – важнейшие (технологические и интеллектуальные) изобретения экспериментальной авангардной музыки XX века, ее связь с другими видами искусства и наукой, соотношение звука и пространства, звука и времени. Среди собеседников Обриста – Кархайнц Штокхаузен и Терри Райли, Брайан Ино и Янис Ксенакис, Пьер Булез и Каэтану Велозу. Книга пополняет архив современной культуры, который Обрист тщательно собирает, документируя ключевые события и стратегии в мире науки и искусств рубежа XX–XXI веков.

Читать книгу «Краткая история новой музыки»

Примечания книги

Шри Ауробиндо (1872–1950) – индийский йог, философ, поэт, участник индийского движения за независимость. Создал учение об интегральной йоге, процессе единения всей сущности, и материи, и духа, с Высшим разумом. Главный литературный труд – философский опус «Жизнь Божественная», сборник текстов, датируемых примерно 1900 годом (издан обществом «Ашрам Шри Ауробиндо»).

«Формульная композиция» и «суперформульная композиция» – техники, возникшие из более ранних серийных техник Штокхаузена. Формула заключается в узнаваемой мелодической структуре, которая составляет ядро композиции и часто звучит в ее начале. Затем она изменяется, развивается и вырастает в целую композицию.

Штокхаузен был важной фигурой в так называемой дармштадтской школе, основанной композиторами – участниками Международных летних курсов новой музыки в Дармштадте в период с начала 1950-х до начала 1960-х годов. Штокхаузен был одним из многих выдающихся лекторов на этих курсах. Международные летние курсы новой музыки в Дармштадте (Internationale Ferienkurse für Neue Musik), основанные вскоре после окончания Второй мировой войны, стали местом встреч композиторов, исполнителей, музыкантов, представителей саунд-арта и студентов музыкальных училищ.

Франк Мартин – швейцарский музыкант и композитор (1890–1974), в последние три года Второй мировой войны написавший «Голгофу», ораторию для пяти солистов-вокалистов, хора, органа и оркестра, вдохновленную «Страстями по Матфею» Баха.

Студия французского теле– и радиовещания «D'Essai» была основана Пьером Шеффером в 1942 году и в 1946 году переименована в «Club d'Essai».

Тембр – характеристика музыкальной ноты, которой отличаются источники звука, то есть голоса или музыкальные инструменты: струнные, духовые, перкуссия. Тембр создает разницу между звуком одного инструмента и другого при одинаковой высоте и громкости ноты. Тембр формируется из-за разных частот, и при помощи аудиофильтров эти частоты можно усилить или ослабить, что повлияет на тембр и, соответственно, на звучание.

Фриц Борнеманн (1912–2007) – немецкий архитектор, имел большое влияние в Берлине в 1950-х–1960-х годах. Известен проектами бетонной архитектуры, в частности зданий современных театров. Среди его работ – Американская мемориальная библиотека, Немецкая опера в Берлине, театр «Freie Volksbühne» («Театр свободного народа») и музейный центр Берлин-Далем. Он спроектировал павильон Германии для Всемирной выставки в Осаке в 1970 году, первым разместив выставочную зону под землей, тем самым отказавшись от широких архитектурных жестов.

Спроектированный на основе художественного замысла Штокхаузена и технической концепции Студии электронной музыки Технического университета Берлина, Сферический концертный зал стал первым в своем роде. Это была временная конструкция, в которой зрителям представили современные тенденции электронной музыки от таких композиторов, как Бернд Алоис Циммерман, Борис Блахер и Штокхаузен (а именно композицию «Спираль», которая в течение выставки была исполнена 1300 раз). Места для аудитории располагались на звукопроницаемой сетке чуть ниже центра сферы. Звук электроакустических композиций распространялся в трех измерениях из 50 групп динамиков, расположенных по всему пространству сферы. Штокхаузен добился трехмерного живого звучания благодаря изобретенной им десятиканальной вращающейся мельнице и сферическому сенсору, собранному в Берлине.

Здесь Ханс Ульрих Обрист ссылается на «Fresco. Wandklänge zur Meditation» («Фреско. Звуки стен для медитации»), композицию для оркестра, написанную Штокхаузеном в качестве «музыки для фойе» («Wandelmusik») для ретроспективной программы, на которой в течение вечера музыку Штокхаузена исполняли одновременно в трех помещениях Зала Бетховена в Бонне. Композиция длится около 5 часов.

Виллем Сандберг (1897–1984) был куратором и директором Городского музея Амстердама до 1962 года. Он организовал выставку работ Мари Бауэрмайстер, параллельно с которой в течение дня Штокхаузен дирижировал исполнением своей электронной музыки (2-25 июня 1962).

Хейнц фон Ферстер (1911–2002) работал с Норбертом Винером над развитием кибернетики. Норберт Винер, основоположник кибернетики, также одним из первых начал исследовать стохастические процессы и шум.

Виктор фон Вайцзеккер (1886–1957) – немецкий биолог и автор первых теорий медицинской антропологии и психосоматический медицины, в частности, он ввел понятие «Gestaltkreis» («круг формы», 1933). Он развил концепцию органической материи, на корню расходившуюся с принятыми в то время представлениями о физиологии и биологии. Он предположил, что на органические процессы влияет среда, в которой народится организм, поэтому при их оценке необходимо учитывать пространственные и временные условия.

В апреле 1957 года на Конвенции Американской федерации искусства (Хьюстон, штат Техас) Марсель Дюшан зачитал свой доклад «Творческий процесс» / «Creative Act», в котором высказал свою точку зрения о том, что «в творческом процессе участвует не только автор; произведение соприкасается с внешним миром через зрителя, который расшифровывает его, истолковывает его внутреннее содержание и, таким образом, вносит свой вклад в творческий процесс». В 1958 году в сочинении «Duchamp du Signe» Марсель Дюшан развил эту мысль и пришел к выводу, что «картину создает зритель» (см.: М. Duchamp. Duchamp du Signe. Ed. «Flammarion», Paris, 1975). Здесь Ханс Ульрих Обрист объединяет эту популярную концепцию с заявлением художницы Доминик Гонсалес-Ферстер, по-своему интерпретировавшей работы Дюшана.

Петр Зиновьев – британский изобретатель, основатель Студии электронной музыки в Лондоне и создатель портативного синтезатора «VCS3» (1969). См. интервью в этой книге, стр. 138.

Оскар Сала (1910–2002) – немецкий физик и композитор, работавший с траутониумом, монофоническим электронным музыкальным инструментом, который создал Фридрих Траутвайн в Берлине примерно в 1929 году. Этот инструмент считается предшественником синтезатора.

Термин, введенный композитором Рихардом Вагнером в середине XIX века. Этим понятием Вагнер стремился описать «искусство будущего», которое виделось ему как синтез, объединение всех видов искусств. (Прим. пер.)

Гае Ауленти (1927–2012) в послевоенной Италии была одной из немногих женщин-архитекторов и художников-оформителей. Она известна проектами по оформлению интерьера, в том числе Музея д'Орсе и Галереи современного искусства в центре Помпиду в Париже, а также дворца Палаццо Грасси в Венеции и, среди недавних работ, Музея азиатского искусства в Сан-Франциско. В 1991 году Японская ассоциация искусства наградила ее Императорской премией. Среди ее проектов как театрального декоратора известна работа над оперой «Четверг» из цикла «Свет» Штокхаузена, чья премьера состоялась в 1981 году в миланском Дворце спорта в постановке труппы театра Ла Скала.

Мария Бьорнсон (1949–2002) известная художница по костюмам и декорациям для театра, оперы и балета, обладательница множества премий. Всемирное признание получила, в частности, благодаря своей работе над мюзиклом «Призрак оперы». Она создала оформление сцены для оперы «Четверг» из цикла «Свет» Штокхаузена в 1985 году в лондонском театре Ковент-Гарден.

Надя Буланже (1887–1979) – французская пианистка, органистка и дирижер; в XX веке считалась влиятельным преподавателем композиторского мастерства. Она известна тем, что прививала своим ученикам принципы неоклассицизма – подчеркнутую логику, упорядоченность и баланс произведений, – основываясь на своем видении музыки Стравинского. Среди 1200 ее учеников были Эллиот Картер, Аарон Копленд и Филип Гласс.

Конлон Нэнкэрроу (1912–1997) – мексикано-американский музыкант и композитор. Написал около 50 этюдов для механического пианино. После возвращения с испанской гражданской войны, в которой он воевал против Франко, Нэнкэрроу стал участником нью-йоркской музыкальной сцены и в 1939 году познакомился с Эллиотом Картером. Их объединял интерес к экспериментам с ритмом и рационализации длительностей и темпа. Больше информации об их переписке в статье Драганы Стоянович-Новичич: The Carter-Nancarrow Correspondence / American Music. Illinois. 29.1 (2011). P. 64–84.

Книга была опубликована в 2008 году: Felix Meyer & Anne C. Shreffer. Elliott Carter: A Centennial Portrait in Letters and Documents. Paul Sacher Foundation. Ed. «Boydell Press», Woodbridge, Suffolk. 2008.

Дэвид Тюдор (1926–1996) – американский пианист и композитор экспериментальной и электронной музыки. Исполнял фортепианные партии авангардных произведений Пьера Булеза, Штокхаузена, Ла Монте Янга и других и позже писал музыку для соратника Джона Кейджа Мерса Каннингема и его труппы. В 1950–1960-х годах Тюдор тесно сотрудничал с Джоном Кейджем и исполнял его произведения, в частности «Музыку перемен», «Концерт для фортепиано и оркестра» и знаменитую «4′33″» (1952). При исполнении Тюдор сочетал звучание фортепиано с электронными звуками посредством усилителей («Вариации № 2», 1969). При помощи микрофонов, усилителей, автомобильных «габаритных усов», барабанов от фонографа и других предметов он превращал фортепиано в электронный аппарат. Из-за сложности устройства поведение инструмента и его звук были непредсказуемы.

Аарон Копленд (1900–1990) – американский композитор, ученик Нади Буланже. Ранние работы написаны в духе модернизма и под влиянием джаза; позже, во время Великой депрессии, его творчество эволюционировало. В 1930-1940-х годах он в основном писал оркестровую музыку и балеты («Фанфары для простого человека», «Аппалачская весна», «Родео»). За мотивы фольклора американского Запада и элементы латиноамериканской музыки работы Копленда часто называли популистскими; сам он свой стиль характеризовал как «коренной». Открытые, медленно сменяющиеся гармонии многих его работ относят к типично американскому звучанию, вызывающему ассоциации с бескрайними американскими равнинами и духом первопроходцев.

Чарльз Айвз (1874–1954) – американский композитор. Долгое время не был известен, после чего в 1920-х годах он стал заметной фигурой нью-йоркского авангарда наряду с Эллиотом Картером, Генри Коуэллом и Аароном Коплендом. В 1946 году он был награжден Пулитцеровской премией в области музыки за «Симфонию № 3», написанную в 1909 году. Его работы, в которых сосуществуют цитаты из популярных мелодий, песен возрождения, танцевальной народной и классической европейской музыки, представляют собой произведения необычайной сложности, изобилующие резкими диссонансами, политональными гармониями и полиметрическими конструкциями. Также Айвз экспериментировал с элементом случайности в музыке, к примеру оставляя какую-то часть композиции на импровизацию музыканта.

Пауль Хиндемит (1895–1963) – музыкант, дирижер немецкого происхождения и один из главных композиторов неоклассицизма. Его стиль заметно отличался от работ Игоря Стравинского («Kammermusik» / «Камерная музыка», 1921–1927; опера «Mathis der Maler» / «Художник Матисс», 1938). Первым переосмыслил понятия консонансов и диссонансов.

Арнольд Шенберг – австрийско-американский композитор, изобрел атональную, или 12-тоновую, технику композиции. Она заключалась в использовании принципиально новой тональной базы музыкального произведения. Вместо двух или трех тонов, составляющих основу композиции, Шенберг предложил использовать все 12 тонов. В отличие от тональной, эта техника не предусматривала доминирования в композиции отдельных нот. Объединяющую основу произведения составляла последовательность чередования 12 тонов, варьирующаяся в разных композициях.

Милтон Бэббитт – один из членов-основателей Центра электронной музыки Коламбия-Принстон (Columbia-Princeton Electronic Music Center), где он в 1964 году написал «Philomel» / «Филомелу», одно из первых произведений для синтезатора. Композиция совмещала живое исполнение вокалиста– сопрано и воспроизведение записанной и модулированной вокальной партии. Подчеркивая сходство слов и музыкальных звуков, произведение проводило параллель между музыкой и языком.

Пьер Шеффер (1910–1995) – французский композитор и инженер по электронике. Считается основателем конкретной музыки – авангардной электроакустической техники композиции, при которой основу произведения составляли записи звуков естественного происхождения. Он разработал эту технику примерно в 1948 году совместно со Студией радиовещания «Studio d'Essai».

«Bell Labs», или «Bell Laboratories» – созданный в 1925 году центр инновационных исследований и разработок, известный множеством изобретений в сфере телекоммуникаций и информационных технологий (радио астрономия, транзистор, Unix, C+ и т. д.). Макс Мэтьюс, инженер «Bell Labs», первым разработал технологию электронной генерации звука при помощи компьютерной программы MUSIC. Он же создал первое сгенерированное на компьютере произведение – «Silver Scale» (1957), 17-секундную композицию, написанную Ньюманом Гуттманом.

Высота – свойство звука, характеризующее его по шкале от низких к высоким. Это одна из основных характеристик музыкальных звуков наряду с длительностью, громкостью и тембром.

«Domus», Milan, 2004. P. 66–71. № 876.

Франсуа Делаланде был инженером и лектором по математике в университете; в 1970 году стал руководителем исследований музыкальных наук в Группе музыкальных исследований (Groupe de Recherches Musicales [GRM]) в INA (Национальный аудиовизуальный институт). Основным предметом его исследований была электроакустическая музыка, эпистемология музыкального анализа, написание музыки и особенности слухового восприятия, в частности детского. Из основных публикаций: Il faut être constamment un immigré, entretiens avec Xenakis. Ed. «Buchet/Chastel», Paris, 1998.

Павильон «Филипс» был построен студией Ле Корбюзье для Всемирной выставки 1958 года в Брюсселе. Проект, заказанный фирмой электроники «Филипс», представлял собой конструкцию из девяти гиперболических параболоидов, в которых звукооператоры распределяли музыку в пространстве при помощи дисков номеронабирателя. Здание было спроектировано для исполнения мультимедийного спектакля «Poème électronique» / «Электронная поэма» Пьера Вареза, а также с целью продемонстрировать технологический прогресс послевоенного времени. Девять гиперболических параболоидов из преднапряженного бетона, асимметрично соединенные между собой, создавали динамический изогнутый под определенными углами контур. Характерный внешний вид зданию придавала сеть стальных натяжных тросов. По словам Ксенакиса, к идее изогнутых поверхностей, состоящих из плоскостей, его подтолкнуло его произведение «Metastasis» / «Метастазис», впервые исполненное в 1955 году.

Посетителей пропускали в павильон группами по 500 человек раз в десять минут. В первом изогнутом коридоре две минуты звучала композиция Ксенакиса «Concret PH» (1958), после чего посетители проходили в основное помещение, где погружались в свет и звук: восемь минут длилась «Электронная поэма» Эдгара Вареза, сопровождаемая проекциями изображений, подобранных Ле Корбюзье, на стенах павильона. Затем зрители выходили через другую дверь, пока комнату заполняла следующая группа.

В конце 1960-х годов Ла Монте Янг и художница Мариан Зазила разработали концепцию «Dream House», звуко-световой инсталляции с использованием низких частот на основе простых чисел (сгенерированных в режиме реального времени на разработанном для них фирмой «Rayna» синтезаторе интервалов) и света спектральных цветов. Симметричные прожекторы освещают симметрично расположенные подвижные подвесные скульптуры авторства Зазилы, которые отбрасывают тени разных цветов; скульптуры плавно движутся под музыку. Раньше «Dream House» выставлялся в галереях и музеях. С 1993 года инсталляция установлена на постоянной основе в фонде MELA по адресу 275 Черч-стрит, Нью-Йорк. Больше информации о «Dream House» в статье Софи Стиванс (Sophie Stévance): La Dream House ou l'idée de la musique universelle // Circuit: musiques contemporaines. vol. 17, № 3, 2007, Р. 87–92; и на веб-сайте фонда MELA: http://melafoundation.org/DHpressFY09.html.

Вслед за представлением «Электронной поэмы» в 1958 году Ксенакис начал самостоятельную разработку нового вида шоу тотального искусства: «Политопов» (букв. «множества пространств»), которые в рамках одного представления совмещали несколько художественных «пространств» – света, цвета, звука и архитектуры. Термин «политоп» также относится к математической фигуре, которая, вероятно, послужила Ксенакису основой для архитектурной структуры этих инсталляций, которые представляли собой комплексную сбалансированную систему источников звука, лучей света и вспышек в заданных условиях архитектоники. При помощи «Политопов» Ксенакис стремился посредством света и звука создать виртуальное пространство, которое требовало бы от зрителя физической вовлеченности. Больше деталей на сайте: http://www.iannis-xenakis.org/fxe/archi/archi.html.

Пятый «Политоп» был реализован на Пелопоннесе в 1978 году. Больше информации в статье Ольги Туломи (Olga Touloumi): The Politics of Totality: Iannis Xenakis' Polytope de Mycènes // Xenakis Matters. Contexts, Processes, Applications, Sharon Kanach. Ed. «Pendragon Press», New York, 2012, P. 101.

Фестиваль современного искусства «ONCE» (1961–1966) – ежегодный фестиваль авангардного искусства в г. Энн-Арбор, штат Мичиган, основанный Робертом Эшли, Гордоном Мумма, Джорджем Качиоппо, Роджером Рейнольдсом и Дональдом Скаварда. На нем представляли свои произведения как неизвестные, так и признанные музыканты. Участников фестиваля объединял интерес к исследованию возможностей звука как посредством необычных способов игры на традиционных инструментах, так и электронных (или электронно-модифицированных) тембров и сопряжения музыкальных звуков со звуками окружающей среды. Группы «ONCE», «ONCE Friends», «ONCE AGAIN» и Кинофестиваль в Энн-Арбор зародились на этом фестивале. Группа «ONCE» под руководством Роберта Эшли стала влиятельным музыкально-театральным ансамблем, в состав которого входили архитекторы, композиторы и режиссеры, и в 1964–1969 годах выступала по всей Америке.

Фрэнк Дж. Отери, «Роберт Эшли: Это можно назвать только оперой» / Frank J. Oteri, «Robert Ashley: You can't call it anything else but opera», 1 апреля 2001, интернет-журнал «NewMusicBox»: www.newmusicbox.org/articles/a-conversation-with-robertashley/.

Альбан Берг (1885–1935) – австрийский композитор. Член Новой венской школы наряду с Арнольдом Шенбергом и Антоном Веберном; писал композиции, проникнутые духом романтизма Малера в сочетании с его личной интерпретацией 12-тоновой техники композиции Шенберга. В 1922 году Берг закончил работу над оперой «Воццек», признанным шедевром европейской музыки. Он умер в процессе работы над оперой «Лулу», которую в 1976 году закончил композитор Фридрих Церха.

«Блю» Джин Тиранни (урожденный Роберт Нейтан Шефф, р. 1945, в Сан-Антонио, штат Техас) – авангардный композитор и пианист, автор более 50 произведений для акустических и электронных инструментов и голоса, в которых исследовал различные природные и социальные явления, такие как память, пространственно-временные иллюзии, языковые аномалии, развитие сознания, сопереживание, человеческие права, чувство осмысленности, альтернативная история и т. д. В конце 1950-х годов учился у пианистов Меты Хердвига и Родни Хоара, а также у композиторов Отто Вика (ученика Энгельберта Хампердинка) и доктора Фрэнка Хьюза. Совместно с композитором Филипом Краммом организовал ряд музыкальных мероприятий, в которых они сами приняли участие. Он играл на пианино в рок-группах и евангельских церквях. В 1961 году он переехал в Энн-Арбор, штат Мичиган, где принимал участие в фестивале «ONCE». Его псевдоним родился из общего названия цикла его произведений «“Blue” Gene Tyranny's Genetic Transformations», которые он исполнял на сцене вместе с Игги Попом. В период с 1971 по 1982 год он жил в заливе Сан-Франциско и работал лектором и преподавателем музыкального отделения колледжа Миллс и звукотехником Центра современной музыки при колледже. «Блю» Джин Тиранни написал более 30 саундтреков к фильмам и видео и более 50 музыкальных произведений для танцевальных и театральных постановок. Он участвовал в записи альбомов и работе таких композиторов-исполнителей, как Роберт Эшли, Питер Гордон, Лори Андерсон, Джон Кейдж, Лерой Дженкинс, Дэвид Берман, Бренда Хатчинсон, Джон Гибсон, Уильям Дакворт (группа «The Cathedral»), Фил Перкинс, Бен Менли, Карла Блей, Игги Поп, Лиз Вэшон и многих других.

Композиция вошла в альбом «Блю» Джина Тиранни «Just For The Record», лейбл «Lovely Music», 1979.

«Perfect Lives» – телевизионная опера из семи получасовых серий, спродюсированная совместно с британским телеканалом «Channel 4» в августе 1983 года. Первая трансляция в Великобритании состоялась в апреле 1984 года, после чего оперу показывали на телевидении Австрии, Германии, Испании и США, а также на видео– и кинофестивалях по всему миру. Эта опера считается предвестницей появления музыкального телевидения. (Официальный сайт Роберта Эшли: http://www.robertashley.org/productions/perfectlives.htm.

Спродюсированная и поставленная Робертом Эшли 14-часовая документальная опера «Music with Roots in the Aether: Video Portraits of Composers and Their Music» повествует о работе и идеях семи американских композиторов. В нее вошли записи интервью со следующими композиторами: Дэвидом Берманом, Филипом Глассом, Элвином Люсьером, Гордоном Мумма, Полиной Оливерос, Терри Райли и Робертом Эшли, а также часовые записи живых исполнений их произведений. Премьера оперы состоялась на Осеннем фестивале в Париже в 1976 году, и с тех пор она была показана в более чем 100 сетях эфирного и кабельного телевизионного вещания.

Для исполнения «The Wolfman» (1964) Эшли использовал записанную им ранее композицию для магнитной пленки «The Fourth of July» (1960). Это композиция постепенно переходит от шума вечеринки во дворе дома, записанного через параболический микрофон, к наложенным слоям пленочных петель. Композиции «The Wolfman» свойственен мрачный атмосферный звук и примитивная домашняя техника коллажа, при которой в режиме реального времени накладывались электронные звуки, записанные на пленку, и голос. При создании композиции Эшли менял скорость вращения катушек магнитофона и смешивал слои «найденных» звуков – записанных с радио или в других местах при помощи микрофонов. Впервые композиция была исполнена на Нью-Йоркском фестивале авангарда Шарлотты Мурман в 1964 году.

Мортон Фельдман (1926–1987) – американский композитор, один из основоположников «неопределенной» музыки, которую затем развили композиторы нью-йоркской школы, в т. ч. Джон Кейдж, Кристиан Вульф и Эрл Браун. Работам Фельдмана свойственны нотационные нововведения, целью которых было добиться характерного звучания: «свободные, парящие ритмы; слегка размытые оттенки нот; тихая, постепенно нарастающая музыка; повторяющиеся ассиметричные рисунки».

Одно из этих интервью: Morton Feldman: An Interview with Robert Ashley, August 1964 // Contemporary Composers on Contemporary Music, ed. Elliot Schwartz, Berney Childs. Ed. «Holt, Rinehard, and Winston», New York, 1967.

См. интервью с Янисом Ксенакисом, выше.

Адольф Аппиа (1862, Женева – 1928, Ньон) – сын одного из основателей Красного Креста Луи Аппиа, швейцарский архитектор и теоретик сценического освещения и оформления. Аппиа наиболее известен оформлениями опер Вагнера. Он отказывался от двумерных нарисованных декораций в пользу трехмерных «живых» конструкций, в которых в равной степени учтена важность тени и света.

Больше информации: http://www.lovely.com/books/bk010outsideoftime.html.

Robert Ashley. Quicksand. Ed. «Burning Books», Santa Fe, 2011.

Альбан Берг (1885–1935) – австрийский композитор, автор атональной и 12-тоновой музыки, испытавший на себе ощутимое влияние романтизма конца XIX века. Он писал как оркестровые произведения (среди них «Пять песен для оркестра», 1912), так и камерные, а также песни и оперы («Lulu», 1937, «Wozzeck», 1925). Исполнением его работ часто дирижировал Пьер Булез.

Исследовательский отдел Французской студии радио– и телевещания (RTF) с 1960 по 1974 год возглавлял Пьер Шеффер. В нем проходили важнейшие исследования и события в сфере радио и телевидения.

Лейбл «Prospective XXIe siècle» («Перспектива XXI века») был создан компанией «Филипс» в 1967 году для издания записей конкретной, электроакустической и электронной музыки. Многие записи были выпущены ограниченным тиражом. В качестве обложек пластинок использовались абстрактные футуристские образы, напечатанные металлизированной краской. Увидеть обложки можно на сайте: http://www.hardformat.org/collections/prospective-21e-siecle/.

Звуковой объект (objet sonore) – понятие, введенное Шеффером для определения произвольной звуковой структурной единицы конкретной музыки. Звукопроизводящее тело (corps sonore) – инструмент или предмет, который производит звуковой объект. (Прим. пер.)

Три композитора – последователя Пьера Шеффера.

Йона Фридман (р. 1923) – французский архитектор венгерского происхождения, известный в 1950-1960-х годах своими идеями «мегаструктур». После публикации его манифеста «Мобильная архитектура» в 1958 году он разработал концепцию «Пространственного города» – проекта «каркаса» города из мобильных, временных и легких структур, из которых жители могли бы сами строить дома согласно своим нуждам и предпочтениям.

Седрик Прайс (1934–2003) – прогрессивный британский архитектор, приверженец идеи непостоянства в городском устройстве. Он рассматривал время как четвертое измерение наряду с длиной, шириной и высотой. Среди его проектов известен «Potteries Thinkbelt» – проект радикального пересмотра базовой концепции университета как экономического катализатора с мобильными учебными студиями, передвигающимися по рельсам. Под влиянием его работы была создана английская авангардная группа архитекторов «Archigram», которые занимались разработкой гипотетических проектов футуристической архитектуры, не претендовавших на реализацию.

Идея системы EIS, изобретенной Полиной Оливерос в 1965 году, возникла после обнаружения эффекта задержки между записью и воспроизведением на катушечном магнитофоне. В настоящее время усовершенствованный аналог этой системы предлагает программное обеспечение «Max/MSP». На протяжении 20 лет в разработке системы участвовали Панайотис, Дэвид Гемпер, Стефан Мур, Джонатан Маркус, Оливия Робинсон, Джесси Стайлз и Зевин Ползин. Она позволяет музыкантам-импровизаторам индивидуально контролировать ряд параметров, по которым она преобразует входящий звуковой сигнал при живом выступлении. Все звуки, которые производят музыканты – сами и при помощи инструментов, записываются через микрофоны и проходят через систему, где трансформации подвергается высота, временные и пространственные параметры сигнала. Преобразованный звук воспроизводится через некоторый промежуток времени позже в ходе выступления. Больше информации на сайте «Deep Listening»: www.deeplistening.org/site/content/expandedmusicalinstruments.

Эффект задержки – это аудиоэффект, при котором происходит запись входящего звукового сигнала и ее воспроизведение через промежуток времени, наподобие эха. Задержанный сигнал может быть воспроизведен один раз или множество, с затуханием или без. Первые эффекты задержки достигались посредством импровизированной петли пленки на катушечных записывающих магнитофонах. Для настройки свойств эха нужно было менять длину петли и регулировать положение записывающей и воспроизводящей головок. Этой техникой часто пользовались композиторы конкретной музыки, такие как Пьер Шеффер и Карлхайнц Штокхаузен. Цифровой эффект задержки появился в начале 1980-х годов в качестве альтернативы аналоговому эффекту, и он позволял контролировать более сложные настройки, в том числе время перед воспроизведением задержанного сигнала. «Lexicon PCM 42» – одно из подобных устройств.

Рамон Сендер Барайон (р. 1934, Мадрид, Испания) – композитор, художник и писатель, совместно с Мортоном Суботником в 1961 году основавший Центр магнитофонной музыки Сан-Франциско. Он учился у Джорджа Коупленда, Эллиота Картера и Роберта Эриксона в Калифорнии, в том числе в колледже Миллс в 1965 году. Помимо прочих инструментов, свои произведения Сендер иногда исполняет на дилрубе, индийской арфе. Официальный веб-сайт: www.raysender.com.

Центр магнитофонной музыки Сан-Франциско (SFTMC) просуществовал пять лет, после чего в 1966 году слился с Центром современной музыки колледжа Миллс. Членами центра были Полина Оливерос, Рамон Сендер, Мортон Суботник, Терри Райли, Стив Райх, Тони Мартин и Уильям Магиннис. Центр представлял собой концертное пространство и место для ознакомления с музыкальными произведениями при помощи магнитофонной техники. Деятельность членов центра совмещала композиторское творчество и инженерные разработки. В середине 1960-х годов совместно с инженером Дональдом Букла центр разработал модулярную систему электронной музыки «Букла», инновационный синтезатор, на котором клавиатуру заменила панель из 16 сенсорных дисков (Архивы колледжа Миллс: www.mills.edu/campus_life/center_for_contemporary_music/archives.php; Thom Holmes. Electronic and Experimental Music: Pioneers in Technology and Composition. Ed. «Routledge», London, 2002. P. 206).

См. интервью с Терри Райли (ниже).

Терри Райли и Полина Оливерос вместе изучали музыкальную композицию в Государственном колледже Сан-Франциско в конце 1950-х годов.

См. интервью со Стивом Райхом (ниже).

«Центр магнитофонной музыки Сан-Франциско: контркультура и авангард 1960-х» (The San Francisco Tape Music Center: 1960s Counterculture and the Avant-Garde, ed. David W. Bernstein. Ed. «University of California Press and Rensselaer Polytechnic Institute», Los Angeles, Berkley, 2008.)

См. интервью с Пьером Булезом, Карлхайнцем Штокхаузеном и Янисом Ксенакисом (ниже).

Тони Мартин (р. 1937, Теннесси) создавал визуальное оформление для концертов Центра магнитофонной музыки Сан-Франциско в виде интерактивных инсталляций из проекций и световых эффектов. В частности, он работал с Рамоном Сендером над композицией «Desert Ambulance» / «Скорая помощь пустыни» (1964), демонстрировавшей гибкость возможностей магнитофонной музыки. «Произведение состояло из ряда составных частей: двухканального коллажа из заимствованных звуков и музыки, живого вокального исполнения и исполнения на аккордеоне Полины Оливерос и обширного светового представления, разработанного Тони Мартином» / Liz Glass. A Thing in the Process of Becoming: The San Francisco Tape Music Center (Нечто в процессе становления: Центр магнитофонной музыки Сан-Франциско) / Art Practical. The Sound Issue. March, 2013). Среди прочих работ Мартина – «Theater For Walkers, Talkers, Touchers», мультисенсорное произведение, контролируемое средой, над которым он работал совместно с Дэвидом Тюдором для танцевального театра Мерса Каннингема; произведение для павильона «Пепси» организации E. A. T. («Эксперименты в искусстве и технологии») для Всемирной выставки 1970 года в Осаке, Япония; из недавних – «Light Pendulum» / «Световой маятник» (2009), автономная кинетическая скульптура, задействованная в различных представлениях, управление которой происходит через элементы среды (свет, звук, движение). Официальный веб-сайт: www.tonymartin.us.

Мортон Суботник (р. 1933, Лос-Анджелес) – один из основателей Центра магнитофонной музыки Сан-Франциско, новатор электронной музыки и мультимедийных перформансов. Он первым нашел применение модульному синтезатору Буклы, управляемому напряжением, и написал с его участием произведение «Silver Apples of the Moon» / «Серебряные яблоки Луны» (1967), которое получило всемирную известность. Работа была записана на лейбле «Nonesuch Records» и стала первым отдельным электронным произведением, выпущенным на долгоиграющей пластинке. Официальный веб-сайт: www.mortonsubotnick.com.

В 1965 году Полина Оливерос написала произведение «Light Piece» специально для Дэвида Тюдора.

Живая птица откликалась на звучание инструментов свистом и высоким криком.

Джордж Брехт (1926–2008) – одна из центральных фигур арт-движения Флуксус. Один из основоположников «коллективного» искусства, т. е. искусства, в котором произведение невозможно без активного участия зрителей. Наибольшую известность ему принесли его «Event scores» / «Партитуры события», в частности «Drip music» (1962), и написанный им в 1953 году текст «Chance Imagery» о роли случайности в науке и искусстве.

Элисон Ноулз (р. 1933) и Дик Хиггинс (1938–1998) – активные участники движения Флуксус в 1960-х годах. Сейчас Элисон Ноулз работает художником перформанса. Она была вторым редактором и оформителем книги «Нотации» Джона Кейджа – сборника его графических партитур (1969) – и совместно с Марселем Дюшаном работала над фотоотпечатками «Coeurs Volants» / «Порхающие сердца», а также с Джорджем Мациюнасом над скульптурой «Bean Roles» (1963) в рамках движения Флуксус. Признание Ноулз также принес проект «House of Dust» / «Дом пыли» (1967) – первое известное в мире сгенерированное компьютером стихотворение, созданное совместно с композитором Джеймсом Тенни. Стихотворение было создано вместе со скульптурной инсталляцией, выставленной в Калифорнийском институте искусств, где Ноулз преподавала с 1970 по 1972 год. Официальный веб-сайт: www.aknowles.com.

Дик Хиггинс был одним из ключевых участников Флуксуса. Он изучал экспериментальную музыку на курсах Джона Кейджа в Новой школе социальных исследований, после чего участвовал во многих концертах Флуксуса в студии Йоко Оно и галерее AG в Нью-Йорке. В 1964 году он основал издательство «Something Else Press», которое во многом способствовало популяризации работ художников авангарда и Флуксуса. В 1971 году он издал книгу «Unpublished editions» (также известную под названием «Printed Press»). Преподаватель Калифорнийского института искусств, драматург и эссеист, Дик Хиггинс интересовался понятием алеаторики, которое он раскрывает в своей работе «The Book of Love & War & Death» / «Книга о любви, войне и смерти» (1965). Также в 1965 году он ввел термин «интермедиа» («intermedia») для обозначения междисциплинарного творчества, широко распространенного в 1960-х годах.

См. интервью с Брайаном Ино, (ниже).

Стюарт Демпстер (р. 1936, Беркли, штат Калифорния) учился исполнению и композиции в Государственном колледже Сан-Франциско. С 1962 по 1966 год он был первым тромбонистом Оклендского симфонического оркестра. В 1968 году он вошел в преподавательский состав Университета Вашингтона. Демпстер изучал диджериду, музыкальный инструмент аборигенов Австралии, и опубликовал работу «Современный тромбон: Описание его выразительных средств» («The Modern Trombone: A Defnition of Its Idioms», 1979), а также писал музыку для Новой сценической группы Сиэтла (Seattle's New Performance Group) и Мерса Каннингема.

Дэвид Гемпер (1945–2011) – художник по звуку и исполнитель. Особый интерес у него вызывало сочетание традиционного инструментального исполнения и звуковых модификаций, которые позволяли осуществлять новые технологии. При помощи изобретенной им системы «Sound Shifter» он подвергал электронной обработке живое звучание инструментов (фортепиано, духовых и проч.). Совместно с Полиной Оливерос он занимался разработкой Расширенной инструментальной системы (EIS) и с 1990 года был участником группы «The Deep Listening Band». Вместе с фотографом Гизелой Гемпер он образовал творческий союз «See Hear Now», в рамках которого занимался созданием визуальных образов, основанных на его композициях. Официальный веб-сайт: www.seehearnow.org.

Защищенная сеть нового поколения, которая объединяет американские научные и образовательные сообщества и благодаря высокой пропускной способности приспособлена для активного использования, в т. ч. проведения видеоконференций в высоком качестве звука и изображения.

Этот концерт прошел 26 октября 2007 года в галерее «Серпентайн» в Лондоне. Полина Оливерос исполнила на аккордеоне композицию «Mind Matter: A Solo Peace». Звук через ее ноутбук распределялся по динамикам, расположенным по кругу внутри павильона.

«Техника “глубокого слушания”, разработанная Полиной Оливерос, в сущности, подразумевала изучение разницы между непроизвольной и произвольной, выборочной природой – исключающей и обобщающей – слухового восприятия. В практику “глубокого слушания” входят работа с телом, акустическая медитация, интерактивные выступления, вслушивание в повседневные звуки, звуки природы, в собственные мысли, воображение и мечты, вслушивание в сам процесс вслушивания. Эта практика развивает повышенную чувствительность к сфере звуков, внутренней и внешней». («Общая концепция» [«Mission statement»], официальный сайт «глубокого слушания»: deeplistening.org/site/content/about).

В апреле 1957 года на Конвенции Американской федерации искусства (Хьюстон, штат Техас) Марсель Дюшан зачитал свой доклад «Творческий процесс» / «Creative Act», в котором высказал свою точку зрения о том, что «в творческом процессе участвует не только автор; произведение соприкасается с внешним миром через зрителя, который расшифровывает его, истолковывает его внутреннее содержание и, таким образом, вносит свой вклад в творческий процесс». В 1958 году в сочинении «Duchamp du Signe» Марсель Дюшан развил эту мысль и пришел к выводу, что «картину создает зритель» (см.: М. Duchamp. Duchamp du Signe. Ed. «Flammarion», Paris, 1975). Здесь Ханс Ульрих Обрист объединяет эту популярную концепцию с заявлением художницы Доминик Гонсалес– Ферстер, по-своему интерпретировавшей работы Дюшана.

Конференция, организованная Рэнди Томом и Эриком Бауэрсфельдом с целью «объединить творческих деятелей разных сфер звуковой медиасреды: радиоспектаклей, кино, музыкального видео, театра, музыки. Основной задачей участников было услышать и обсудить различные эстетические и творческие подходы к использованию звука, в частности новое искусство саунд-арта ‹…›, чтобы расширить свои представления об эстетических возможностях звукового дизайна во всех видах искусства» (из отчета организации «Bay Area Radio Drama»: www.bardradio.com/design.html).

Интервью, взятое Аланом Бейкером для American Public Media в январе 2003 года. Доступно в сети по адресу: publicradio.org/features/interview_oliveros.html.

Сэр Харрисон Биртуисл (р. 1934) – британский композитор и одна из крупнейших фигур в современной европейской музыке. Он черпал вдохновение в современной живописи, ритуалах классической мифологии и доисторических времен, сочетая в своем творчестве модернистскую эстетику и эмоциональную мощь. За оперу «Маска Орфея» / «The Mask of Orpheus» – сплав музыки, драмы, мифа, пантомимы и электронной музыки – он был награжден премией «Ивнинг стандард Опера» (1986) и премией Гравемайера (1987).

Ханс Вернер Хенце (1926–2012) – немецкий композитор, охвативший в своих работах сериализм, неоклассицизм, популярные итальянские музыкальные стили и 12-тоновую технику композиции. Он писал оперы, симфонии, концерты, произведения для солистов, а также музыку к кинофильмам (в т. ч., к фильмам французского режиссера Алена Рене). Под впечатлением от Второй мировой войны, Красного мая 1968 года и революции на Кубе он выражал в музыке свои политические взгляды, например в «Das Floss Der Medusa» (1968), оратории, посвященной Че Геваре.

Зиновьев говорит о концерте 1967 года. «Million Volt Light and Sound Rave» (также известном как «Фестиваль света») в концертном зале «Roundhouse» в Лондоне. На фестивале с произведениями магнитофонной музыки выступила группа «Unit Delta Plus», и была проиграна экспериментальная композиция «The Beatles» – «Carnival of Light», 14-минутный коллаж, смонтированный Полом Маккартни.

Рассел Хасуэлл (р. 1970) – британский междисциплинарный деятель искусства и куратор. Наиболее известен по работам в рамках экстремальной компьютерной музыки. Для этого стиля характерны грубые эксперименты со звуковыми частотами, присущие жанру нойз-музыки, с использованием музыкальных компьютерных технологий. В частности, совместно с электроакустическим музыкантом Флорианом Хекером он выпустил альбом «Kanal GENDYN» с использованием разработанной Янисом Ксенакисом программы «UPIC». В 2010 году Хасуэлл предложил Зиновьеву написать произведение («Bridges from Somewhere and Another to Somewhere Else») для акустического павильона «The Morning Line» в Стамбуле, призванного «исследовать междисциплинарные связи между изобразительным искусством, архитектурой, музыкой, математикой, космологией и наукой».

Проект «Fun Palace» был разработан Седриком Прайсом совместно с театральным режиссером Джоан Литтлвуд и должен был быть возведен в парке Ли Вэлли в Восточном Лондоне. Хотя этого так и не случилось, концепция «лаборатории веселья», гибкого пространства для отдыха с подвижной структурой, стала вдохновением для таких архитекторов, как Ричард Роджерс и Ренцо Пиано, и их проекта – центра Помпиду в Париже.

Отделение музыки университета в Беркли несколько десятилетий считалось одним из лучших музыкальных факультетов США. Помимо программы, совмещавшей академическую часть обучения с практикой живых выступлений, факультет стал известен благодаря слиянию с Центром новой музыки и аудиотехнологий (Center for New Music and Audio Technologies, CNMAT), где проходили междисциплинарные исследования компьютерных и смежных с компьютерными технологий в музыке и обучение их использованию. На территории отделения также находились Музыкальная библиотека Джин Грей Харгроув, большой концертный зал «Херц Холл» и Карильон, музыкальный инструмент из 61 колокола, который стоял в центре кампуса. На нем давали ежедневные концерты карильонисты, студенты и гости университета (официальный сайт: music.berkeley.edu/).

См. интервью с Полиной Оливерос, (выше).

Ла Монте Янг и Терри Райли написали для танцевальной труппы Анны Халприн такие произведения, как «Stillpoint» (1960), «Visions» (1960) и «Four-Legged Stool» (1961). Хореография постановки «Four-Legged Stool» сопровождалась записью композиции Терри Райли «Mescaline Mix» (1961–1962) – сочинением с использованием пленочных петель, написанным им в соавторстве с композитором электроакустической музыки Ричардом Максфилдом под впечатлением от опыта употребления мескалина.

См. интервью с Карлхайнцем Штокхаузеном (выше).

Луиджи Ноно (1924–1990) – современный композитор. Он посещал знаменитые Дармштадтские летние курсы вместе с итальянскими композиторами Лучано Берио и Бруно Мадерна и позже стоял в одном ряду с такими молодыми модернистами, как Пьер Булез и Карлхайнц Штокхаузен. Во многих отношениях Ноно считается из них самым радикальным. Он вел активную политическую деятельность как член Коммунистической партии, а в музыке сочетал аскетичную красоту с неистовой энергией. (См. James Harley, http://www.allmusic.com/artist/luiginonomn0001196376/biography.)

100

Экспериментальная театральная труппа, основанная в 1947 году в Нью-Йорке актерами и режиссерами театра Джулианом Беком и Джудит Малина в качестве альтернативы коммерческому театру.

101

102

Пьер Анри (р. 1927, Париж) – один из первых композиторов конкретной музыки наряду с Пьером Шеффером. Он сотрудничал с хореографом Морисом Бежаром, в частности над произведением «Messe pour le temps présent», в которое вошла его известнейшая композиция «Psyché Rock» (1967). Инсталляция, о которой говорит Терри Райли, располагалась в доме Пьера Анри. Особый интерес Райли вызывали эксперименты с прослушиванием музыки в разных контекстах.

103

104

В торговом центре «Euralille» по случаю номинации города на звание Культурной столицы Европы.

105

«The Heaven Ladder» на данный момент состоит из семи книг.

106

Адольф Вельфли (1864–1930) – швейцарский художник, который вел основную творческую деятельность примерно в 1900 году в Берне. Он был болен шизофренией (официальный вебсайт: www.adolfwoelfi.ch). Основой для оперы Терри Райли послужили рисунки, стихи, записки и математические вычисления, ставшие результатом психотических галлюцинаций Адольфа Вельфли.

107

Работа впервые была представлена в Окружном музее искусства Лос-Анджелеса.

108

Пандит Пран Нат (1918–1996) – североиндийский певец стиля Кирана, последний классический певец этого стиля. Традиция Кираны зародилась в XIII веке при дворе правителя делийского султаната Ала-ад– дина Хильджи. Став известным певцом в Индии, в 1970 году Пран Нат познакомился с Терри Райли, Ла Монте Янгом, женой Янга и художницей Мариан Зазила, которые впоследствии стали его учениками. В 1972 году в Нью-Йорке он основал свой образовательный центр – Центр индийской классической музыки школы Кирана.

109

В фонде Адольфа Вельфли.

110

111

Михаил Бахтин. Проблемы поэтики Достоевского. / Mikhail Bakhtin. Problems of Dostoevsky's Poetics. Ed. «University of Minnesota Press», Minneapolis, 1984.

112

Натуральный строй – это любой музыкальный строй, в котором соотношение звуковых частот нот можно выразить рядом натуральных чисел. В его основу положены чистые интервалы. Натуральный строй был известен еще в Древней Греции и стал эстетическим идеалом музыкальных теоретиков в период Ренессанса.

113

В отличие от натурального строя, в равномерно темперированном строе каждая октава делится на математически равные интервалы (каждые две расположенные рядом ноты имеют равное частотное соотношение). Поскольку клавишные инструменты позволяют играть в любой тональности с минимальными погрешностями в интонировании, равномерная темперация пришла на смену более ранним строям, основанным на чистых интервалах.

114

Кристиан Вульф (р. 1934, Ницца) – композитор экспериментальной классической музыки. Учился игре на фортепиано у Грете Султан и композиции у Джона Кейджа в Америке. Особенностью музыки Вульфа является предоставление исполнителям разной степени свободы в интерпретации его произведений, что привело к изобретению нескольких новых методов записи партитур. В основе его работ лежат понятия коллективной свободы, самостоятельности и демократичного сотрудничества. Некоторые его произведения содержат явный политический подтекст («Изменяя систему» / «Changing the System», 1973; «Марш за мир» / «Peace March», 1983–2005). Начиная с 1950-х годов танцевальная труппа Мерса Каннингема стала использовать при постановках некоторые произведения Вульфа. Также ряд его композиций записала в своей обработке рок-группа «Sonic Youth».

115

116

Генри Флинт (р. 1940, Гринсборо, штат Северная Каролина) – американский философ, авангардный музыкант, художник и «активист против искусства». В 1961 году он ввел термин «концептуальное искусство» для обозначения «искусства, идею которого составляет материал, на основе которого оно создано, так, для музыки это – звук». В 1962 году Флинт развернул свою кампанию «против искусства». В 1963 году он выступал с демонстрациями против институтов в сфере культуры в Нью-Йорке вместе с Тони Конрадом и Джеком Смитом и дважды в 1964 году против Штокхаузена. В тот период совместно с Джорджем Мациюнасом он сформировал общество «Движение против культурного империализма» (Action Against Cultural Imperialism [AACI]). Генри Флинт учился в Гарвардском университете с намерением стать философом-математиком, но в итоге в начале 1970-х годов занялся музыкой в Нью-Йорке, начав брать уроки пения у североиндийского мастера школы Кирана Пандита Прана Ната. Большая часть музыкальной деятельности Флинта была нацелена на радикальное возрождение музыки юга Америки, хотя в ранние годы он в основном увлекался классической музыкой. Ссылка: www.henryfynt.org.

117

См. интервью с Терри Райли (выше).

118

См. интервью со Стивом Райхом (ниже).

119

Люси Липпард. Шесть лет: дематериализация арт-объекта с 1966 по 1972. (Lucy Lippard. Six Years: The Dematerialization of the Art Object from 1966 to 1972. Ed. «University of California Press», Los Angeles, 1973.)

120

«Пьеса для фортепиано XI» / «Klavierstück XI» (1956) представляет собой 19 отрывков, сочиненных и записанных традиционным образом в виде партитуры, которые в случайном порядке распечатаны на большом листе плотной бумаги. Порядок исполнения отрывков устанавливает пианист во время исполнения. Инструкции на обратной стороне плаката гласят, что исполнитель должен играть в случайном порядке все отрывки до тех пор, пока один из отрывков не будет сыгран три раза.

121

Корнелиус Кардью (1936–1981) – английский композитор экспериментальной музыки, графический дизайнер и активный приверженец марксизма-ленинизма; один из основателей «Scratch Orchestra» (1969–1974), экспериментального концертного ансамбля, к которому мог присоединиться любой желающий. Ансамбль использовал графические партитуры вместо традиционных нотных записей и делал акцент на импровизации.

122

С 1958 по 1960 год. Кардью был ассистентом Штокхаузена в Студии электронной музыки в Кельне и работал над композиционным планом партитуры «Carré», крупной симфонии Штокхаузена для четырех оркестров и четырех хоров.

123

Прослушав курс Кейджа по экспериментальной композиции, Брехт начал искать новый медиум для своей творческой деятельности, а именно новый способ записи партитуры, который позволял бы включить элемент случайности и использовать звуки окружающей обстановки. Так появились «Партитуры события» / «Event scores», краткие текстовые партитуры, состоящие из списков терминов и незаконченных инструкций, которые подразумевали участие зрителей в исполнении. Участники Флуксуса часто пользовались такими партитурами на своих выступлениях. 10 «Мерцание» / «The Flicker» – экспериментальный фильм, созданный Тони Кон радом в 1965 году. Он состоял из пяти кадров: предупреждения для зрителей, подверженных эпилептическим припадкам, два кадра с титрами («Тони Конрад представляет» и «Мерцание»), черный кадр и белый кадр. В качестве саундтрека использована запись композиции, сыгранной Конрадом на синтезаторе, под которую черный и белый кадры сменяют друг друга, создавая эффект стробоскопа.

124

Андеграундная киностудия, существовавшая параллельно с «Фабрикой» Энди Уорхола и оказавшая на нее определенное влияние. Недолгий промежуток времени в 1960-х годах ей руководил Джек Смит (1932–1989).

125

Jonas Mekas. Movie Journal // «Village Voice». July, 1972.

126

Жан Руш (1917–2004) – французский режиссер и этнолог.

127

Branden W. Joseph. Beyond The Dream Syndicate, Tony Conrad and the Arts After Cage. Ed. «MIT Press», Cambridge, Massachusetts, 2008.

128

См. интервью с «Kraftwerk» (ниже).

129

Для специального издания книги «Герхард Рихтер: городская жизнь» Герхард Рихтер создал серию картин по фотографиям, «Firenze» (2000), посвященных Стиву Райху и творчеству оркестра «Contempoartensemble». К изданию прилагается CD-диск с записями композиций «Городская жизнь / Секстет» («City Life / Sextet») Стива Райха. В 2009 году в качестве сопровождения выставки абстрактных работ Герхарда Рихтера в Музее Людвига в Кельне Стив Райх исполнил там «Drumming: Часть первая» и «Музыку для 18 музыкантов» в Кельнской филармонии.

130

Написана для церемонии вручения премии «MacDowell Medal» 2005 года. Доступно на: www.stevereich.com.

131

Лучано Берио (1925–2003) – итальянский композитор. В 1960-х годах он преподавал в Тэнглвудском музыкальном центре, на летних Дартингтонских и Дармштадтских курсах, в Гарварде, Джульярдской школе и колледже Миллс (г. Окленд, штат Калифорния), где вместе с Дариюсом Мийо и Мортоном Суботником в 1963 году создал группу «Mills Performing Group». В 1955 году совместно с Бруно Мадернаон основал первую студию электронной музыки в Италии и в 1987 году музыкальный исследовательский центр «TempoReale» в Милане. Он также стал автором ряда телепередач, нацеленных на популяризацию современной музыки в Италии. Берио исследовал возможности звука, в первую очередь, голоса часто совместно со своей женой, американской певицей (меццо-сопрано) Кэти Бербериан (1928–1983), владевшей широчайшими техниками пения и обладавшей тонким слухом. Ярким примером их сотрудничества служит композиция «Sequenza III для сольного голоса» (1963), в которой в течение семи с половиной минут отражены 44 эмоциональных состояния через традиционное пение, кашель, вздохи, рыдания и звук, который Берио называл «девушка-птица» («girl-bird»). В качестве основы произведения для магнитной пленки «Оммаж Джойсу» / «Omaggio a Joyce» (1958) использована запись голоса Бербериан. При создании другого важного сочинения, «Sinfonia» (1969), Берио использовал принципы цитации и коллажа.

132

«Ensemble Modern» – камерный ансамбль, посвятивший свою работу творчеству современных композиторов. Ансамбль был основан в 1980 году и базируется во Франкфурте, Германия. Он исполнял произведения таких композиторов, как Чарльз Айвз, Оливье Мессиан, Курт Вайль, Эдгар Варез, Конлон Нэнкерроу, Карлхайнц Штокхаузен, Стив Райх, Джордж Бенджамин, Пьер Булез и т. д.

133

См. интервью с Янисом Ксенакисом, (выше).

134

135

«Any old time you use it» – цитата из песни Чака Берри «Rock And Roll Music». (Прим. пер.)

136

Перотин – французский композитор конца XII – начала XIII века. Вместе со своим предшественником Леонином они были первыми авторами органумов, самой ранней разновидности многоголосной музыки. Они изобрели новый способ нотации на ритмической основе, позволявший записывать многоголосные произведения. Перотин первым начал работать с трехголосными и четырехголосными органумами: в качестве тональной основы он, чаще всего, использовал григорианский хорал в исполнении солиста, поверх которого звучали более высокие перекликающиеся партии, исполнявшие ритмические вокальные рисунки во время протяженных слогов в партии хорала. В этом крайне затейливом многоголосье части-«клаузулы» чередовались с григорианскими распевами в унисон и более короткими аккордовыми частями, написанными «дискантом» (способ написания музыки, при котором фиксируются ноты, а ритм импровизируется). (Timothy Dickey, http://www.allmusic.com/artist/p%C3%A9rotin-mn0001556372/biography.)

137

Саксофонист Джон Колтрейн (1926–1967) – одна из самых важных и противоречивых фигур в джазе, мастер импровизации. Особенно известно его совместное творчество с трубачом Майлзом Дэвисом и пианистом Телониусом Монком.

138

Эрик Долфи (1928–1964) – американский джазовый саксофонист-альтист, флейтист и бас-кларнетист. Его импровизациям были свойственны широкие интервалы и разнообразные немузыкальные речевые звуки в сочетании с экстатичным фри-джазом. Долфи первым из флейтистов вышел за рамки бибопа; в значительной мере благодаря ему бас-кларнет стал одним из солирующих инструментов в джазе.

139

Ударник Элвин Джонс (1927–2004) больше всего известен своим участием в классическом квартете Джона Колтрейна (1960–1965), но также был выдающимся сольным исполнителем, сблизившим хард-боп и авангардную музыку.

140

Стив Райх одним из первых стал пользоваться техникой постепенного фазового сдвига в качестве композиционной основы произведения. (Фазировка – композиционная техника, при которой одна и та же музыкальная фраза исполняется на двух инструментах в двух разных, но постоянных темпах. Таким образом, инструменты постепенно выходят из унисона, сначала создавая небольшое эхо, затем сложный звенящий эффект, и в итоге через раздвоение и эхо возвращаются обратно к унисону.)

141

См. интервью с Карлхайнцем Штокхаузеном (выше).

142

143

Артур (Арт) Мерфи (1942–2006) – один из основателей ансамбля Стива Райха (с Джоном Гибсоном), ключевая фигура в развитии минималистской музыки. Также он играл с Филипом Глассом и Генри Флинтом. Во время учебы в Джульярдской школе Мерфи работал с Холлом Овертоном (1920–1972, американский композитор, джазовый пианист и преподаватель) над организацией концерта биг-бэнда Телониуса Монка в Нью-Йорке в 1963 году.

144

«Пещера» / «The Cave» (1990–1993) – опера с участием ансамбля Стива Райха (дирижер Пол Хильер), поставленная в соавторстве с писательницей и видеохудожницей Берил Коро, женой Стива Райха. В центре сюжета оперы – единственное в мире место поклонения одновременно иудеев и мусульман, храм в Хевроне, известный как Пещера праотцев, где похоронены Авраам и его потомки.

145

«Разные поезда» / «Different Trains» – произведение с элементами акустической и магнитофонной музыки, основанное на детских воспоминаниях Райха о поездках на поездах от его матери в Лос-Анджелесе к отцу в Нью-Йорк. Райх также использовал в композиции винтажные записи звуков поездов 1930-1940-х годов, добавив трагическую отсылку к поездам, на которых евреев перевозили в нацистские концентрационные лагеря.

146

147

Интервью взято Сетом Колтером Уоллсом, «Стив Райх о Пулитцеровской премии за “Двойной секстет”» / «Steve Reich on Winning the Pulitzer for Double Sextet», интернет-издание «The Daily Beast», 24 апреля 2009.

148

Пол Саймон (р. 1941, Нью-Джерси) – один из самых выдающихся авторов песен второй половины XX века. Он написал большинство песен дуэта «Simon & Garfunkel», участником которого был, в том числе «Mrs. Robinson» и «Bridge Over Troubled Water». Песни Саймона обладают не только высокой стилистической и литературной ценностью, но и запоминающимися мелодиями и отражают проблемы и сомнения поколения 1960-х годов. (MarkDeming, http://www.allmusic.com/artist/paulsimon-mn0000031685/biography.) Марк Стюарт, один из основателей группы «Bang on a Can All-Stars» и член ансамбля «Steve Reich & Musicians», стал музыкальным директором Пола Саймона в 1998 году.

149

Йоко Оно и Стефан Вольпе (1902–1972) были знакомы с конца 1950-х годов. Вольпе был немецким композитором. Пройдя обучение у музыканта и композитора Феруччио Бузони, он позже учился в Баухаусе и сблизился с дадаистами. В ранних работах – с 1929 по 1933 год – он пользовался 12-тоновой техникой Арнольда Шенберга, после чего его музыка развивалась параллельно с его участием в антифашистском движении. Он писал композиции с элементами джаза и популярной музыки для агитационных трупп, объединений рабочих, коммунистического театра и танцевальных ансамблей. Став более доступной и понятной на эмоциональном уровне, его музыка осталась сложной и детально проработанной по структуре.

150

К ветвям интерактивной инсталляции Йоко Оно «Дерево желаний» / «Wish Tree» зрители привязывают листки со своими личными желаниями (больше информации на сайте: www.imaginepeacetower.com).

151

Эбби Хоффман (1936–1989) и Джерри Рубин (1938–1994) – политические и социальные активисты, предводители антивоенного движения в 1960-х и 1970-х годах, известные, в частности, своей деятельностью в рамках Международной партии молодежи. Оба вошли в Чикагскую семерку, обвиненную в заговоре и организации беспорядков в Чикаго во время акции против войны во Вьетнаме.

152

«Грузовой поезд» содержит отсылку к событиям 1987 года, когда группа мексиканских эмигрантов пыталась нелегально пересечь границу США в вагоне грузового поезда. Поезд в итоге был брошен среди пустыни, и эмигранты, запертые в вагоне, погибли. (Прим. пер.)

153

Fred Kaplan. 1959: The Year Everything Changed. Ed. «John Wiley & Sons», Hoboken, New Jersey, 2009.

154

Дюк Эллингтон (1899–1974) – знаменитый джазовый композитор и руководитель биг-бэнда.

155

Стэн Брекидж (1933–2003) известный режиссер экспериментального несюжетного кино, работавший с различными форматами и техниками, такими как съемка ручной камерой, нанесение рисунков и царапин непосредственно на пленку, быстрая смена кадра, непрерывная съемка, коллаж и многократная экспозиция. Сам Брэкидж называл свои абстрактные фильмы «визуализацией мысли в движении», визуальным воплощением мыслительного процесса.

156

Одна из основателей Танцевального театра Джадсона (1962) и лейбла «Experimental Intermedia Foundation», Элейн Саммерс внесла большой вклад в развитие танцевального кино. Фил Ниблок начал с ней работать в 1965 году и в 1985 году стал директором «Experimental Intermedia Foundation» в Нью-Йорке.

157

Среди танцоров, которых снимал Фил Ниблок, были Элейн Саммерс, Ивонна Райнер, Мередит Монк, Тина Кролл, Кароли Шниманн и Лусинда Чайлдс. Из этих опытов в итоге выросла культовая серия «Шесть фильмов» / «Six Films» [1966–1969], созданная совместно с Максом Нойхаусом, и фильм «Магическое солнце» / «The Magic Sun» с Саном Ра и его оркестром «Solar Arkestra» (Mathieu Copeland: Nothin to advertise, just a text on the art of Phill Niblock / Phill Niblock: Working Title, ed. Phill Niblock and Yvan Etienne. Ed. «Les presses du réel», Dijon, 2013, P. 105).

158

Макс Нойхаус (1939–2009) играл в «энвайронментах» одновременно роль исполнители и композитора. В 1960-х годах. он был перкуссионистом и интерпретатором современной музыки, а в дальнейшем одним из первых начал создавать звуковые инсталляции и работать над «внедрением» музыки в сферу изобразительного искусства. Не имея ни начала, ни конца, его произведения звучали «скорее в пространстве, нежели во времени». Нойхаус стремился создать иное восприятие пространства, в котором находились его инсталляции, чаще всего – музеев. Больше информации на сайте: www.max-neuhaus.info.

159

В «Энвайронменты» / «Environments» входили два фильма: один о танцовщице Энн Дэнофф, другой о Максе Нойхаусе; оба сопровождались их выступлениями.

160

Сьюзен Стенджер, член группы «Band of Susans», исполняет произведения Фила Ниблока на его концертах.

161

Фил Ниблок, «Движение работающих людей» / «The Movement of People Working», 20 января – 10 марта 2007 годах в галерее «Sketch» в Лондоне. Под кураторством Мэтью Копленда. Концерт музыки Ниблока в исполнении басистки/флейтистки Сьюзен Стенджер и гитариста Роберта Посса. Больше информации на сайте: www.mathieucopeland.net.

162

См. интервью со Стивом Райхом (выше).

163

164

Том Джонсон в интервью для Марка Синкера, «Phill Niblock: Din Locator», журнал «The Wire», № 124, London, 1994.

165

166

Phill Niblock: Working Title, ed. Phill Niblock and Yvan Etienne. Ed. «Les presses du réel», Dijon, 2013.

167

Выставка была отменена в связи с финансовыми трудностями. Ретроспективная выставка под названием «Ничего, кроме работы» / «Nothin' but working» в итоге все же состоялась в Лозанне в 2013 году в Елисейском музее фотографии и центре современного искусства «Circuit».

168

Книга «Год со вздутым аппендиксом» / «A Year with Swollen Appendices» была напечатана издательством «Faber & Faber» в 1996 году, разделенная на две части. Первая часть – это дневниковые записи за 1995 год, а вторая, «вздутый аппендикс», – сборник эссе, рассказов и писем.

169

Рой Аскотт (р. 1934, Бат, Англия) – британский художник и теоретик кибернетики и телематики. В своих трудах он исследовал влияние цифровых технологий и сетей телекоммуникаций на сознание. Он редактор и основатель исследовательского журнала «Telechnoetic Art», почетный редактор журнала «Leonardo Journal» и автор книг, в частности: «Телематический охват: Перспективные теории искусства, технологий и сознания» / «Telematic Embrace: Visionary Theories of Art, Technology and Consciousness» (Ed. «UCP», 2003) и текста «Устройство перемен» / «Construction of Change» (1964). Его революционный «нулевой курс» («Groundcourse») – что подразумевает принцип обучения «с нуля» – в школах искусств Ипсвич и Илинг стал знаковой нетрадиционной методикой преподавания искусств, основанной на стимуляции сознания через практику определенного поведения, игры и матрицы, позволявшие иначе взглянуть на стереотипы и установленные нормы.

170

Дэвид Бирн (р. 1952, Думбартон, Шотландия) – основатель и главный автор песен американской группы «Talking Heads», существовавшей с 1975 по 1991 год.

171

172

Корнелиус Кардью (1936–1981) – английский композитор-экспериментатор. Среди его главных работ – «Великое учение» / «The Great Learning», серия из семи «параграфов» из трудов Конфуция, написанная для большой группы исполнителей, как обладающих специальной подготовкой, так и не имеющих ее. В произведении присутствуют технически крайне сложные сольные партии, записанные в традиционной нотации, текстовые вставки и инструкции в прозе, а также музыка в графической нотации. Написанные под влиянием конфуцианской философии и актуальной социальной ситуации, инструкции давали интерпретаторам большую свободу и позволяли каждому участнику внести свой заметный вклад в конечный вид произведения.

173

Гордон Паск (1928–1996) – английский кибернетик и психолог, внесший значительный вклад в изучение и развитие кибернетики, образовательной психологии и технологий и экспериментальной эпистемологии. Он возглавлял комитет по кибернетике проекта Седрика Прайса «Fun Palace» и исследовал, каким образом человеческий организм адаптируется к окружающей среде и взаимодействует с другими организмами посредством языка.

174

175

См. интервью со Стивом Райхом (выше).

176

Игра «Жизнь» – это игра без участия игрока; клеточный автомат, состоящий из размеченной плоскости. Разработана британским математиком Джоном Конвеем (р. 1937).

177

«Koan» – программное обеспечение для создания генеративной музыки, разработанное компанией SSEYO. Генеративная музыка – это постоянно изменяющаяся неповторяемая музыка, случайным образом сгенерированная системой. Термин приобрел широкое употребление после выхода записи Брайана Ино «Generative Music I» (1996).

178

Питер Гэбриэл (р. 1950) – член и основатель группы «Genesis».

179

Лори Андерсон (р. 1947) – американская исполнительница экспериментальной музыки и артистка перформанса. Изобрела ряд устройств, которыми пользовалась во время записи и перформансов (например, скрипичный смычок с магнитной пленкой вместо конского волоса).

180

См. интервью с Брайаном Ино (выше).

181

Дерек Бейли (1930–2005) – английский гитарист и значимая фигура движения свободной импровизации. Его манере свойственны крайняя отрывистость и широкие интервалы, аритмичность и атональность, создающие не поддающийся определению стиль свободной импровизации.

182

Джон Зорн (р. 1953, Нью-Йорк) – плодовитый композитор, аранжировщик, продюсер, саксофонист и мультиинструменталист.

Он работал в различных стилях, в т. ч. джаз, хакдкор-панк, классика, клезмер, а также писал музыку для мультфильмов и кино в жанре нуар и занимался импровизацией, утверждая, что все его «стили музыки органично связаны между собой». Он написал саундтреки к ряду фильмов, а благодаря его звукозаписывающему лейблу «Tzadik» многие исполнители обрели широкую известность.

183

Маурисио Кагель (1931–2008) – немецко-аргентинский композитор. Для него особый интерес представляла театральная составляющая современных концертов музыки. Он писал инструкции по сценическому поведению для исполнителей («Szenisches Konzertstück», 1970). В 1970-х годах он предложил новый взгляд на классические музыкальные традиции (Баха, Бетховена, Брамса), соединив их с популярными музыкальными формами. (Официальный веб-сайт: www.mauricio-kagel.com.)

184

В интервью 1996 года Уолтер Хопс рассказал Хансу Ульриху Обристу, что Дюшан научил его главному правилу кураторства: при организации выставки «работы не должны мешать» зрителю. (Вступление Ханса Ульриха Обриста к интервью с Уолтером Хоппсом в книге «Краткая история кураторства». Пер. с англ. А. Зайцевой. «Ад Маргинем Пресс», Москва, 2013. Прежде опубликовано в статье «Walter Hopps, Hopps, Hopps», журнал «Artforum», New York, December, 1996.)

185

Хайнер Геббельс (р. 1952, Нойштадт, Германия) – немецкий композитор экспериментальной музыки и дирижер. Он также был автором музыки для театральных и балетных постановок и кино и в середине 1980-х начал писать и режиссировать собственные пьесы по мотивам текстов Хайнера Мюллера. Его работы в области музыки и театра неоднократно удостаивались европейских наград. (Джейсон Анкени / Jason Ankeny, http://www.allmusic.com/artist/heinergoebbels-mn0001327668/biography.)

186

«Semiotext(e)» – американское издательство, популяризировавшее среди американской аудитории французские философские теории, издает одноименный журнал. Его основал французский философ Сильвер Лотрингер. Редакторами издательства были Сильвер Лотрингер, Крис Краус и Хеди эль Кхолти.

187

Эрману Вьянна – бразильский антрополог и писатель, автор книги: «Загадка самбы: популярная музыка и национальная самоидентификация в Бразилии». (The Mystery os Samba: Popular Music and National Identity in Brazil. Ed. «University of North Carolina Press», North Carolina, 1999.)

188

Во время презентации в Башне Монпарнас в Париже «Kraftwerk» представили прессе свой новый альбом «The Man Machine» коротким 5-минутным концертом.

189

Максим Шмитт – близкий друг Ральфа Хюттера; сотрудничал с «Kraftwerk» с начала 1970-х. Он был соавтором некоторых текстов песен, в том числе на альбоме «Tour de France».

190

Интервью, взятое Гэри Кроули в сентябре 2003 года для «Би-би-си» (Лондон): www.bbc.co.uk/london/entertainment/music/kraftwerk_interview.shtml.

191

Флориан Шнайдер – один из двух основателей «Kraftwerk». С Ральфом Хюттером он познакомился в 1968 году во время учебы в музыкальном колледже Роберта Шумана в Дюссельдорфе, и вместе они были участниками импровизационного ансамбля «Organization», игравшего в стиле «краут-рок» – жанре электронной рок-музыки, зародившемся в Западной Германии в конце 1960-х годов.

192

Эмиль Шульт (р. 1946, Дессау, Германия) тоже был студентом Дитера Рота и Герхарда Рихтера в Дюссельдорфской академии искусств в конце 1960-х годов. Там он познакомился с основателями «Kraftwerk», для которых впоследствии писал тексты и разрабатывал графические материалы (больше информации на сайте: www.emilschult.eu).

193

Квартет Баланеску – авангардный струнный квартет, основанный в 1987 году. Александром Баланеску. Квартет исполнил несколько сложных кавер-версий на песни «Kraftwerk» с альбома «Possessed» (1992).

194

Вокодер – устройство синтеза речи на основе закодированных параметров.

195

В апреле 1957 года на Конвенции Американской федерации искусства (Хьюстон, штат Техас) Марсель Дюшан зачитал свой доклад «Творческий процесс» / «Creative Act», в котором высказал свою точку зрения о том, что «в творческом процессе участвует не только автор; произведение соприкасается с внешним миром через зрителя, который расшифровывает его, истолковывает его внутреннее содержание и, таким образом, вносит свой вклад в творческий процесс». В 1958 году в сочинении «Duchamp du Signe» Марсель Дюшан развил эту мысль и пришел к выводу, что «картину создает зритель» (см.: М. Duchamp. Duchamp du Signe. Ed. «Flammarion», Paris, 1975). Здесь Ханс Ульрих Обрист объединяет эту популярную концепцию с заявлением художницы Доминик Гонсалес– Ферстер, по-своему интерпретировавшей работы Дюшана.

196

Фаду – музыкальная форма, которой свойственны печальные мелодии и тексты с характерным оттенком смирения, обреченности и меланхолии (который примерно можно описать словом «saudade», «тоска»).

197

Каэтану Велозу. Тропическая правда: История музыки и революции в Бразилии / Caetano Veloso. Tropical Truth: A Story Of Music And Revolution In Brazil, trans. Isabel de Sena. Ed. «Knopf», New York, 2002.

198

Глаубер Роша (1939–1981) – влиятельный бразильский режиссер, актер, журналист и полемист. Наиболее известен его фильм «Deus e o Diabo na Terra do Sol» («Черный бог, белый дьявол», 1964), главный фильм «нового кино» – новой волны бразильского кинематографа.

199

Жуан Жилберту (р. 1931, Баия) известен как основоположник босановы в середине 1950-х годов. Певец, автор песен и гитарист. Он перепел песни Антониу Карлуса Жобима и Винисиуса де Морайса, в частности «The Girl from Ipanema» (записана Жилберту в 1962). Хотя Жобим, джазовый музыкант, заложил основу нового жанра, Жилберту придал песням новый ритм и спел их мягким, проникновенным голосом, который стал характерен для жанра.

200

Жилберту Жил (р. 1942, Сальвадор, Баия) – бразильский певец, гитарист и автор песен. Он начал карьеру как исполнитель босановы, после чего перешел к музыкальному творчеству, отражавшему его политические и социальные взгляды. Он стал ключевой фигурой в движении тропикализма в 1960-х годах вместе с Каэтану Велозу и первопроходцем жанра «популярной бразильской музыки» (MPB), смеси традиционных и урбанистических мотивов с современными рок– и фолк-жанрами со свойственными им инструментами. В 1980-х годах он сотрудничал с регги-музыкантом Джимми Клиффом и популяризировал регги в Бразилии, исполнив португальскую версию песни Боба Марли и «The Wailer's» «No Woman, No Cry», которая имела огромный успех. Один из его самых известных альбомов – «Luar» (1981) – пропитан духом свободы, подобным настроению песни «Odara» Каэтану Велозу, написанной после падения диктатуры. Жилберту Жил с 2003 по 2008 год был министром культуры Бразилии. Официальный сайт: www.gilbertogil.com.br.

201

См. интервью с Арто Линдсеем (выше).

202

Аугусто де Кампос родился в 1931 году в Сан-Паулу. Вместе с его братом Арольдо они основали движение конкретной поэзии в Бразилии. Также был переводчиком, музыкальным критиком и художником.

203

Велозу положил на музыку два стихотворения Аугусто де Кампоса – «dias dias dias» и «pulsar».

204

Hans Ulrich Obrist. Entrevistas. Vol.2. Ed. «Editora Cobogó», Rio de Janeiro, 2009.

205

Фредерико Гарсия Лорка (1898–1936) – испанский поэт и драматург, а также художник, пианист и композитор. В своих стихах и пьесах Лорка чутко передает речь, музыку и обычаи сельской жизни Андалусии и превращает их в «универсальное пространство, где поэт исследует глубочайшие переживания человеческого сердца, страсть, любовь и смерть, тайну самосознания и чудо творческого созидания» (www.garcia-lorca.org).

206

207

См. интервью с Арто Линдсеем (выше).

208

Хулио Медаглия (р. 1938, Сан-Паулу) – композитор, обладатель международных премий, автор музыки к более чем 100 фильмам и вдохновитель движения тропикализма. Занимался аранжировкой джазовых композиций и песен жанра популярной бразильской музыки (MPB).

Вернуться к просмотру книги

Вход

Регистрация | Забыли пароль?

Поиск по сайту

Календарь

Навигация